KIZUMONOGATARI III: REIKETSU-HEN

DESCRIPTION

CAST

MOVIE ActionKizumonogatari II: Nekketsu-hen
ANIME DramaNekomonogatari (Kuro)
NOVEL ActionKizumonogatari
MOVIE ActionKizumonogatari: Koyomi Vamp

REVIEWS

• 

  Decibelle

  100/100
  Perfect characterization and unnerving, fully realized themes bring out the full potential Kizumonogatari has shown.

  Reiketsu-hen was always going to be the toughest film in the Kizumonogatari trilogy to talk about. It does many things that are tough to analyze from a critical perspective, most of which are due to the way the adaptation has prioritized character development across its three parts. While Monogatari as a whole has many dark parts, I would easily call this the second darkest part in the entire series. Character motivations are either not made entirely understandable or otherwise vague. The grand, powerful final fight has a mix of different tones and emotions that are tough to sort through the first watch or two. And despite being the final film for a series obviously intended to be watched as a whole, it arguably feels the most like a full stand-alone film, putting it in an awkward position get a hold of, also resulting in some weird pacing. On top of all that, it has two polarizing scenes to drive home its theme of misery. One is the scene right after the long-awaited fight.

  The other is that scene.

  You know. That scene.

  It's my belief that talking about and sorting through that scene helps make it easier as a whole to decide how to feel about this movie. Or in other words; why one likes/doesn't like the scene influences how one feels about this movie (and Kizu as a whole, really). I believe it's that important to the film, and even if it isn't, it's inspired me heavily enough to critically analyze and write about it, so spoiling it to some degree feels like a must. Having watched anime the past ten years and coming from a nearly-unwaverable "ecchi is bad for an anime" viewpoint, Monogatari has always been a tough series to fully immerse myself in, but each of the Kizu films has their own specific moments of ecchi fitting for the films they're in, and the moment in this film is intense, to say the least.

  Before getting to that however, it's important to stress how fucking fantastic this film is with its commitment to its themes and lessons. Of the three films, characters feel the most complex and explored here. Even though Shaft's approach to the Monogatari series has always been artsy and indulgent, this feels the most artsy of the Kizu trilogy (or even the series) by stripping away the flashy layers and getting right into the ugly nature of the characters' predicaments and motivations. Vampires are cruel, possibly not worth saving, and people can easily be just as cruel. In the most dire of situations, there's no way for everyone to be happy; only misery. Wounds run deep. The consequences of your mistakes can be eternal, born entirely from personal flaws. No matter how you look at it, the entire story of Kizumonogatari has no firm uplifting outlook for nearly anyone. They can only go uphill, in other words.

  So about that scene. The exact nature of how the ecchi/fanservice plays out in this movie takes on a different context from either the previous films or the rest of the series. Such moments are usually intended to be comedic and played for laughs, regardless of how far they go, and are generally surrounded by either light-hearted or neutral moments of the show. But in this case, total darkness and despair surround it.

  Araragi can't bear the thought of living if it means his family dying to Kiss-Shot, or even eating people himself. Hanekawa, his savior, goes far and beyond his (and our) expectations by boldly allowing herself to be eaten by him. Not only would she selfishly throw away her life for Araragi, she would gladly do it for anyone she considers her friend, putting her actions in the three movies and in the rest of the series in such stark context. The degree to which she considers him to be her friend (and the not-so-subtle text of her being in love with him) is such that she's fine with enduring the consternation of her underwear in full view of him, or the vastly uncomfortable buildup of Araragi wanting to touch her breasts, even anticipating it resulting in more. It's Koyomi Araragi, so she will gladly put up with it all. And as she states afterwards; she definitely has to put up with it.

  Meanwhile, the entire scene was initiated by Araragi, for the first time since becoming a vampire, indulging in his hormonal desires of "want touch boob, must touch boob". His excuse for it is so flimsy, ridiculous, and desperate that Hanekawa sees through it immediately, but still acquiesces to him. After hearing from her that she won't get mad, his approach to the situation changes almost immediately and he acts in a way that's easy to see as cruel. Even as Hanekawa accepts and is ready for things to go much further, he still acts dominant, almost using her promises and feelings for him against her just for him to touch her boobs. The entire scene plays out in an almost pornographic manner, so of course he never goes that far. He snaps him out of it and the situation gives him an incredibly silly reason, yet 100% fitting to his character, for continuing to live on and fight.

  He got to hear a girl, in-person, to him, talk about the sluttiness of her boobs. His whole life lived up to this singular, incredibly human moment.

  It's this kind of incredibly complex mess of emotions that makes this scene feel so vital. I have to admit that I would have liked this whole series a lot better (or a lot more readily) if it wasn't so open to ecchi and fanservice, sometimes pretty intensely. But with what the series has given us, this is maybe the most they justify it beyond "Araragi is perverted" and also the most enjoyable (besides, even if the series had way less ecchi they probably could have justified this still). This moment is hugely important for both Araragi and Hanekawa and defines aspects of their relationship and interactions down the road, and does so as wonderfully directed as it is. And because it goes intentionally over-the-top, it manages to paradoxically feel way less gross. The classical piano right when Araragi has his realization is not only perfectly timed and fitting, but combined with his face manages to make it incredibly funny.

  But as much as I talk about one scene, so much about this movie is eloquently done. The absolute one-two sucker punch of Araragi and Shinobu's (now fully Kiss-Shot) conversation followed by the very next scene is so beautifully done and cruel to the viewer that I can't think of how much better it can be done. The tense escalation in the first scene with Oshino and Araragi, culminating in the reveal of the full extent of his involvement in everything, is brilliantly done and sets the stakes well, especially with the foreshadowing. The final two scenes crushes the viewer's hopes that this story has a positive ending so swiftly and quickly, as if the movie never gives it a second pause, works fantastically in placing them along with the characters. The bittersweet monologue from Araragi at the very end. Each scene itself could warrant paragraphs of analysis and praise.

  I only have two complaints about the movie. Despite the fight ultimately making itself worth the payoff, I can't help but feel Shaft may have gone too overboard. At points it feels like slapstick harshly interrupting the action so unnaturally, and threatens to spoil the mood the movie worked for. Perhaps there was a different way to handle the humorous aspects or make it flow better into the action.

  My second complaint, a bit oddly, is with the story itself. Characters in the series can end up being real inscrutable and thus makes everything nonsensical. Given how the show's universe works, this ends up in its favor. However, some revelations that get unearthed end up making things super convoluted and hard to hold up to scrutiny, or are otherwise just total headscratchers. It's maybe one of the most convoluted plot points of the entire show, if not one of the most convoluted parts in the entire series, which definitely says a lot. Thinking too hard about it could probably lessen the impact it has for you, but even then it's not such a big deal; it almost makes what happens even more tragic for those involved.

  Somehow, even with its faults, even with its incredibly polarizing moments, it pulls it off. It pulls it off in such style that I can forgive the second part for feeling a little bit like a drag. I end up crying during moments of this, and feeling so engrossed in the action. No other part of the series has made me like (or at least sympathize with) Araragi nearly as much as this does, and it manages to do so much and be successful. But this part really pulls out all the stops in making itself worth the watch, garnering respect without even trying. While the first part is more easily watchable whenever one wants and by itself, as well as feeling more loose and benefiting from it, the third part is how everything ties together and tries to answer all the questions remaining by it. It makes Kizumonogatari my favorite part of the entire series.

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• 

  user106549

  95/100
  Um Marco da Década de 10'

  ---

  Leitor, para poder ter pleno entendimento da análise, deverá ter conhecimento razoável do inglês. Caso não possua, recorra a um tradutor online ou afins.

  Akiyuki Shinbo (Sinbo/Shinbou, trate da maneira que bem entender) não é o diretor criativo de Monogatari Series, quanto menos de Kizumonogatari. Esta figura serve o papel de mentor do estúdio, sendo assim sempre listado como diretor-geral/diretor. Para mais informações, por favor, pesquise a respeito.

  Esta é uma análise de posicionamento empírico. Relações pessoais com crenças religiosas ou posicionamentos políticos-sociais são irrelevantes.

  ---

  Each and every chapter right through to Part III: Reiketsu will have its own highlights, but if possible, once you’ve seen them all, I hope you will judge them all as the single work known as Kizumonogatari.
  – Akiyuki, Shinbo

  O mestre mandou, assim faremos. Esta é uma análise não só de Reiketsu, mas, de todas as três partes de Kizumonogatari.

  Desde o lançamento do anime de Bakemonogatari em 2009, muitos leitores do material original foram contra os métodos não tão fiéis de Tatsuya Oishi — em oposição a uma futura fidedignidade de Itamura e a aclamada novel —. Oishi apresentou ambiciosidade em seus trabalhos como diretor mesmo quando encarregado de pouco material, como podemos observar na icônica marca deixada na opening de Pani Poni Dash ou em alguns episódios de Tsukuyomi-Moon Phase e Hidamari Sketch. Em sua estreia como diretor de série (2009) não poderia ter sido diferente. Oishi manteve sua grande identidade, enxergou a novel de NisiOisin de sua própria maneira e assim marcou a história da indústria com uma idiossincrasia jamais vista antes.
  Grandes nomes como Oshii Mamoru e Isao Takahata sempre operaram com adaptações, porém, jamais zelaram ao extremo pelo que os títulos construíram originalmente. Idealizaram de suas próprias formas como as obras seriam e obtiveram sucesso nisso. Ser fidedigno ou original em uma adaptação é algo que em si não tem valor, pois, o seu valor apenas surge quando é executado. Ou seja, como foi feito; a eficiência do resultado dessa aplicação.

  Realocação de Veículos Narrativos

  ...we wanted to make a film that would enable the audience to empathize with Koyomi and experience the events from his point of view. In concrete terms, we cut pretty much all of his monologues from the script.
  ...I was basically breaking down Nisio-san’s writing style in my own way, and giving it form…and this is what we ended up with.
  – Tatsuwa, Oishi

  São apresentados quatro minutos do protagonista caminhando através de um edifício, com uma música que aos poucos quebra sua sutileza, completamente cercado pelo mistério e um pânico contido. Então, temos uma grande quebra desta inércia quando subitamente Araragi explode em chamas, gritando desesperadamente. Com sua queda, o silêncio retorna, apenas a sonoplastia causada pelo personagem é mantida. Novamente, a música surge sutilmente, intercala com um súbito silêncio e ao rufar de um instrumento o título do filme aparece.

  

  Esses quase 7 minutos iniciais sintetizam minuciosamente qual será o modus operandi do filme e sua objetivação reflexiva, (entrarei em detalhes posteriormente).
  Agora, por que os oito minutos iniciais não necessitam de falas? Como são reproduzidos inúmeros diálogos e monólogos em curtos espaços de tempo? É justamente essa uma das maiores ciências de Tatsuya Oishi, a plena exploração de veículos audiovisuais para arquitetar suas obras, assumindo funções narrativas e analógicas. Logo no início pode-se evidenciar essa técnica.
  Uma nova inércia prevalesse após os créditos iniciais, tendo sua quebra realizada por um forte vento que atinge o local, a saia da Hanekawa erguida e um momento vergonhoso para ambos. Contudo, nenhuma conversa, explicação ou clássicos solilóquios da franquia é utilizado. Podemos compreender o ocorrido e o sentimento vigente somente através de mecanismos indiretos.

  Representa o forte vento

  

  Analogia ao fato da Hanekawa ter sido despida

  

  Indicativo de onde ele está olhando e de sua calorosa sensação

  

  O carro atravessa a cena, freia bruscamente e bate. Referenciando a vergonha e desonestidade de Araragi

  

  Ao longo do anime ocorrem diversas outras aplicações desses recursos para todos os âmbitos, possibilitando que uma eficiente dinâmica emerja, substituindo a necessidade de demais mecanismos convencionais.

  Tipografia
  Outro fator fundamental introduzido pelo diretor, exerce função de proximidade com o autor ao explorar a escrita, quando, também, une sua experiência com esta técnica para criar identidade. Pode-se dizer que é o vínculo de união de duas figuras icônicas.
  Atua como um amplo veículo de construção durante o filme, seja na descrição de sentimentos e objetivações ou na pura estilização da cena.

  

  Três linguagens diferentes compõem a tipografia de Kizu. O francês, que entra em conformidade com as origens no cinema gálico. O inglês, que compõe a flexibilidade do método de comunicação. E, obviamente, o japonês, usando seus múltiplos alfabetos e interpretações.

  É um dos artifícios constituintes da citada anteriormente "síntese minuciosa" na introdução.

  

  Estrutura de Diálogos
  Herança de sua série e marca registrada de NisiOisin. Excelentes conversações que não se detém a simplórias composições de cena. Ainda que haja uma notável diminuição no conteúdo e constância das mesmas em comparação aos títulos antecessores. Tal fato se deve a um aumento na eficácia dos veículos audiovisuais antes mencionada, que permitiu serem realizados de maneira enxuta.
  Durante os diálogos constantemente a câmera alterna seu enquadramento ou percorre a ambientação. A cenografia, tipografia e a música trabalham conjuntamente a interação dos personagens. Tal-qualmente, exprime com riqueza sua excêntrica narrativa e personagens idiossincráticos.

  Moralidade
  Em uma visão de um país moderno com a moral degenerada, sob a sombra de uma desilusão passada, é onde Kizumonogatari fomenta sua sociedade.
  Naquela inicial citação a respeito de uma "minuciosa síntese" (novamente), observa-se o sumário de uma larga crítica social. A gloriosa luz do sol que adorna a bandeira nipônica expulsa a sua cultura e incendeia sua moral. O Estado não é capaz de sobreviver ao enorme baque que sofreu, é necessário o apoio de uma nova ética.
  Não entrarei em mais detalhes quanto a esse ocorrido, deixo a você, leitor, ter sua própria interpretação a partir desse raciocínio.

  Tal como é dito em alguns frames, esta é a estória de uma tragédia, mas, não somente dos protagonistas, é também a tragédia do século XX que recaiu sobre a sociedade japonesa; é a trágica natureza na qual a compaixão é delimitada a benevolência do mais forte sobre o oprimido; a trágica degradação da moral budista que regia os japoneses.
  Ao longo dos séculos, a virtude budista, dentre outras doutrinas, foi uma das principais pilastras da moral nipônica, entretanto, após a grande queda de 40' a sociedade japonesa se reergue por intermédio de influências ocidentais, aderindo a elementos da moral judaico-cristã e da cultura hespéria. Perdendo, nesse processo, muitas de suas raízes. É sob esse quadro que Oishi enxerga o Japão contemporâneo e é aonde ele baseia muita da reflexão da obra. A qual se estende por visões do âmago humano e suas leis naturais.

  
  Possível alusão ao fato de religiões ocidentais serem proibidas no Japão por muito tempo. Contudo, parte da reflexão sobre a ordem natural, igualmente um questionamento acerca da ética se delimitar ao que o indivíduo reconhece como sua espécie.

  

  
  Metáforas a invasão do cristianismo, ao sacrifício altruísta e a correlação das crenças.

  

  
  Araragi toma a decisão de salvá-la simplesmente porque era algo bonito a se fazer, não porque era algo que ele realmente acreditava ser correto. Simbolizando a deterioração do valor da compaixão budista.

  

  
  "A compaixão é delimitada a benevolência do mais forte sobre o oprimido". É, também, um estado volátil que pode inverter vítima e vitimador de papéis.

  

  
  O dilema de ser ou apenas parecer ser. Para retornar a ser reconhecido como um humano ele teria que abandonar a sua moral.

  

  ~!
  O cancelamento das Olimpíadas de 1940 é um símbolo do abandono da benevolência e da deterioração da sociedade. O governo japonês opta por suspender a edição desse ano, que iria acontecer em Tóquio (pela primeira vez na história um país Oriental seria sede das Olimpíadas), para não "desperdiçar" investimentos no esporte e focar na militarização, abandonando a diplomacia.
  Essa cena possui uma excelente figura de linguagem com esse fato histórico.

  "Chegou hora dos atletas finalistas japoneses se posicionarem. Eles resistiram a muitas tribulações em seu caminho até a glória. E agora, a juventude do Japão intensifica, cheia de orgulho. Olhando para trás, Tóquio deveria ter realizado os Jogos Olímpicos de 1940. Mas, os conflitos crescentes acabaram com muitos sonhos. Cinco anos antes, os atletas da competição foram decididos em Tóquio. E, ao longo dos próximos cinco anos, todos os seus esforços levaram a este momento..."

  – 56 ~ 57 minutos

  

  !~

  
  Maravilhosa sakuga de Matsumoto Genki. Primeiro temos Araragi sendo completamente destruído naquela analogia das Olimpíadas de 1940, em seguida do banho de sangue, ele pula no pescoço de Kiss-Shot e renasce bebendo seus fluidos. Refletindo o reerguer do Japão por intermédio ocidental, bem como revertendo o estado de soberania entre os dois personagens.

  

  
  Kiss-Shot jamais havia recebido compaixão, pois, em primeiro lugar, ela nunca demonstrou tal por alguém. Visto que, ela não reconhecia humanos como seres vivos dignos e os restantes vampiros não eram nada mais que servos. Araragi fora o único que manifestou tal sentimento, por conta de que aquela foi a primeira vez em que ela esteve impotente. No entanto, no final do filme, chega a conclusão dessa problematização, aonde Araragi aceita Kiss-Shot como uma igual.

  

  Enfim, vários outros exemplos poderiam ser colocados aqui. As metáforas de Kizumonogatari são constantes e muito bem aplicadas a suma composição. Embora não sejam a vanguarda nessa temática, sem dúvidas são um enorme destaque.

  Trabalho Visual
  O ponto proeminente desta obra, o que faz dela o sui genris estético da década.
  A maior adversidade que a Shaft enfrenta em suas produções é ligada a uma má administração do estúdio, afetando diretamente seus cronogramas. Um vilão que impede ilustres artistas de atingir todo o seu potencial. No entanto, uma realidade que foi revertida em Kizumonogatari, assegurando essa grandiosa produção. Oishi teve a sua disposição toda a staff principal do estúdio, tal-qualmente inúmeros contatos exteriores de renome. Podendo serem citados: os irmãos Yoshinari, Takayuki Aizu, Hiroki (Taiki) Konno, Gen'ichirou Abe, Ryo Imamura, Shin'ya Takano, Nozomu Abe, Yota Tsuruoka, Hideyuki Morioka... Igualmente, 7 longos anos de dedicação, sem prazos apertados (à parte de que ocorreram problemas de produção, fazendo o filme ser adiado por anos).

  • 3D & 2D
    Oishi abandona as clássicas ambientações absurdistas de Bake para focar em suas técnicas de 3D e fotorrealismo, um diferencial notável entre as abordagens, visto que uma é essencialmente surrealista, enquanto a outra centraliza uma harmônia entre o verossímil e o ficcional. Contudo, que não deixam de ser semelhantes, pois, muitas das abordagens de Kizu já estavam presentes em Bake. Em outras palavras, é uma masterização de ideias menos enfatizadas no passado.

  

  Alvo de controvérsias devido à aplicações mal-acabadas

  

  e 2D e 3D destoantes.

  

  Entretanto, em suma, a animação é excepcional, refina técnicas defasadas de 3D, insere outras jamais utilizadas na animeografia, possui storyboard complexo e mantém alto nível de detalhamento, fluidez e comprimento de sakugas.

  Gen'ichirou Abe

  Kou Yoshinari

  Yuuya Geshi

  (?)

  (?)

  Kou Yoshinari

  Vale ressaltar uma consistente harmonia entre as animações, predominando sobre os tropeços exemplificados acima, por mérito de acabamentos digitais e manipulações de iluminação. O que leva ao próximo tópico:

  • Fotografia
    Mesmo tendo tanto tempo passado desde a inserção da digitalização na animação nipônica, grossas barreiras ainda impedem sua evolução na área de CG. Na década de 10' já se pode averiguar um crescimento progressivo de iniciativas no âmbito, apesar da evidente defasagem, dentre essas, Kizumonogatari ganha bastante destaque.
    A diferença de texturas entre o 2D e o 3D é atenuada por uma aproximação das tonalidades, então usada para construir uma dicotomia visual. Finalizando-a com efeitos digitais de filtros e iluminação. Proporcionando um aspecto nunca realizado em animes.

  

  

  • Coloração e Iconografia
    Mais um ponto de saliência. O trabalho de cores é empregado com excelência para agir em conjunto com as técnicas de animação e veículos narrativos, fazendo uso de supersaturação, destacamento de cores, contrastes harmoniosos e diversas combinações alternativas em um mesmo frame sem se tornar poluído ou mal elaborado. Desta forma, finalizando a construção de uma ilustre iconografia.

  

  • O Preto e o Vermelho
    Dualidade alegórica que retrata as temáticas e objetivações do filme. Seja o vampirismo, a moral, a tragédia, a lei natural, as inter-relações ou mesmo a pura e bela estilização.
    Ajuda a movimentar o sentimento vigente e, de novo, atua como "veículo visual-narrativo". Ao decorrer de Tekketsu-hen há uma ênfase no uso de filtros e paletas avermelhadas, enquanto em Nekketsu-hen, de pretas e azuladas. Gera uma múltipla função do tão ressaltado "noir", que significa preto e é também um gênero narrativo enraizado na trilogia. Todavia, é algo presente nos três filmes.

  

  De modo igual, a luz e sombra operam nesses papéis:
  
  Solitude (preto/sombra)

  

  Holofotes desligados

  

  
  
  Alegria; compaixão (luzes sobre o preto)

  

  Holofotes ligados

  

  
  Palidez e luminosidade exaladas de uma atual figura de vítima, porém, cercada pelo preto/noir. Na seguinte aparição, na cena em que ela está comendo o Guillotine Cutter, Kiss-Shot fica avermelhada e sob um holofote (autoexplicativo)

  

  
  
  Apenas bons exemplos da aplicação geral dos mesmos

  

  Trabalho Sonoro
  Por trás de toda essa estrutura não poderia haver simplórias theme OSTs, seu design e direção de som se demonstram tão competentes quanto os demais âmbitos. A trilha apresenta identidade, consegue se adequar dentro das diversas situações emergentes e intensificar a atmosfera.
  Assim como a tipografia, a música não utiliza meramente uma linguagem, a mesma gama de línguas encontra-se aqui e exercendo um cargo semelhante. Sabe quando se calar e quando agir. A ausência e progressão da trilha mostra-se um fator essencial na atmosfera das cenas.

  Libido
  O erotismo está presente nas mídias desde a década de 60', na cinematografia. No mesmo período, na Itália, já eram produzidas as comédias sexuais, que veriam a ganhar certa fama.
  A libido como artifício ou núcleo narrativo já é amplamente desenvolvida na arte e tem extensos horizontes a serem explorados. Apesar disso, tal como quaisquer outros gêneros e temáticas, o erotismo pode ser executado de maneira frívola e simplória, tendo como uma de suas populares manifestações o "fanservice".
  Todavia, esse não é o caso de Kizumonogatari.
  A despeito de esse não ser um dos destaques da obra e serem cometidos alguns deslizes em seu desenvolvimento, a exemplo esta cena estapafúrdia:
  

  

  
  A plena aplicação é bem elaborada.
  É típico de tramas de vampiros a implementação da sexualidade, na própria franquia é idealizado um entendimento e cumprimento com essa abordagem. Kizumonogatari faz proveito desse terreno e traz uma nova roupagem a ela. A sensualidade provê substância aos personagens, cumpre com a função cômica e entra em conformidade com o contexto do anime. Podendo ser atribuída parte da responsabilidade desse resultado a sensível mudança no character design.
  

  

  A Famigerada
  A cena especial de Rekketsu-hen, o quase ato sexual que Araragi e Hanekawa tem. Uma cena de humor e erotismo muito bem arquitetados.
  A premissa é iniciada em um bizarro pedido de Araragi de acariciar os seios de Hanekawa. Logo o anime permite o desencadear cômico em um frame caricato.

  

  Então, uma sequência de respostas inesperadas surgem para embasar a atmosfera. Nenhum dos dois consegue se olhar diretamente. A euforia consome Araragi, e Hanekawa, a vergonha.

  Ela se movimenta em um cauteloso ritmo. A câmera se posiciona em prol da tensão e da potencialização da libido. O tecido de sua roupa se comporta de maneira provocante por meio de uma boa animação. Um incontrolável silêncio perdura até que ambos se aproximam com insegurança. A dublagem assume um tom íntimo. A tensão apenas cresce. Novos pedidos grotescos surgem.
  

  

  
  As expectativas são quebradas. O comportamento dos personagens é esdrúxulo.
  Todos os característicos veículos visuais são postos para trabalhar.
  

  

  
  A tensão atinge seu ápice.
  

  

  
  Para que finalmente! Nada aconteça!!
  Toda a intensa progressão é revertida por uma fatal punch line.
  

  

  
  Seguidamente de extensões ridículas de feições caricatas.
  

  

  
  E a patética conclusão...

  

  A estrutura cômica e libidinosa da cena é ótima, igualmente sua síntese audiovisual, e como é justamente esse o seu intento, faz desta uma cena muito funcional.

  Trabalho de Câmera
  É possível notar uma influente cinematografia no comportamento da câmera, ritmos e angulações atípicas percorrem toda a mise en scène, valorizando a distinta arquitetura do filme.
  Enquadramentos fechados intercalam para abertos sem recear, as transições demonstram dinamismo e técnicas de fluxo aéreo, vezes mescladas com sons de helicóptero, produzem distinção.
  

  

  Relações Interpessoais
  Um detalhe que poderia ser ignorado, porém, que devido a um enfoque no drama não poderá.
  Os personagens rapidamente ganham intimidade uns com os outros, sem um desenvolvimento concreto ou apropriada força motriz, levando a um semblante artificial. Essa situação em nada interfere no amplo desempenho, mas, uma compostura diferente deveria ter sido tomada para que a interação e dramatização se tornassem razoáveis.

  Resolução Problemática
  Súbitas transições de cena não se mostraram um real obstáculo dentro do enredo, no entanto, desfechos fugazes como os das batalhas de Dramaturgy, Episode e Guillotine Cutter soaram como algo impróprio e provam-se presentes em alguns outros momentos.

  Clímax
  Aos cinquenta minutos de Reiketsu-hen o roteiro guia todas as demais objetivações ao seus clímaces. A ação ganha os holofotes. Tem sua força motriz fundada em uma elaborada reflexão. Evolui de maneira extremamente dinâmica ao lado da coreografia. Traja-se com numerosas sakugas de variadas técnicas e identidades. Os mecanismos audiovisuais característicos da trilogia são postos a todo vapor. A direção traz seus eficazes trabalhos de som e câmera para elevar a estrutura ao seu pináculo. Para que, então, um verdadeiro espetáculo marque a história da animeografia com uma das mais soberbas cenas de ação já feitas.

  Conclusão

  Kizumonogatari é o apogeu do refinamento da franquia; atual magnum opus da Shaft; um ícone da década de 10'. Todavia, infeliz por ter sido idealizada em um período aonde Hayao Miyazaki e Isao Takahata ainda podiam lançar novas obras.
  

  

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• 

  seanny

  80/100
  Several years in the making, Tatsuya Oishi turns the novel into an eye-popping, deliciously stylized visual comedy.

  The weaknesses of each individual movie — uneven pacing, abrupt endings and dubious adaptation choices — are erased when seen in its proper form. Up-and-coming director Tatsuya Oishi vanished into a cave after 2009's memorable style-piece, Bakemonogatari, and emerged several years later with his over-3-hours-long prequel. Aniplex trisected its release but fortunately a local theater ran a back-to-back triple-screening: the only worthwhile way to watch it.

  There are three ways to approach the task of adapting Nishio Isin's pulp novel. One is to clean up its more dubious aspects and present it to a mainstream audience. Another is to adapt the material faithfully to please preexisting fans; the TV anime's route.

  Oishi's adaptation takes a third path, arguably the most honest path: amplify the source material's trash appeal until it becomes visual comedy, turning what was already a mild parody of itself into a much greater one. The progatonist's classmate, ally and sex object, Tsubasa Hanekawa, is redesigned into a grotesque uniform-stretching tiddy-monster with a cat's grin. The boob-touching scene of the novel is now an over-the-top spectacle that prompts guffaws of laughter and disbelief. (I'm glad I saw it with an audience.) Its vampiric showdowns also become strings of imaginative sight gags in Oishi's hands.

  But calling it subversive would be a step too far. It still performs its perfunctory duty. Reams of dull, expository dialog form connections with preexisting franchise lore. And what it is, fundamentally, hasn't changed from novel to film — an escapist, nostalgic pulp genre story that is self-aware but not especially critical.

  Within those constraints, however, we get a bold, deliciously stylized visual reimagining of the "Monogatari" world that makes it difficult to return to the cookie-cutter TV sequels. One wonders what's next for Tatsuya Oishi. Maybe he'll reassume his place in the Aniplex-Shaft sequelization assembly line. Maybe he'll disappear into another cave for a new special project. Or maybe, like many Shaft directors before him, he'll decide that he's outgrown the nest.

  In any case, if you can only watch one "Monogatari" product, make it this movie trilogy.

  -- End of review. But as AniList has a minimum length, here's an additional factoid. Akiyuki Shinbou plays the role of a producer and mentor but doesn't actually direct anime at Shaft. It's a popular misconception by design — His name is used as a "brand name" in a similar way that popular authors have novels ghostwritten for them. If you want to see a "true" Shinbou anime, you'd have to watch something like Tenamonya Voyagers or The SoulTaker. Shaft instead trains directors in their recognizable house style, and many prolific directors have come from the studio over the years. For example, "Fire Force" is a current TV anime (as of writing) made by ex-Shaft people.

  My impression that the original novel (which I've read) is a "parody of itself" comes from a knowledgeable person's explanation to me of Nishio Ishin's place in Japanese literature. His novels aren't necessarily light novels, or young-adult literature. They are for nostalgic adults who grew up reading LN fare.

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